Un chef-d'œuvre du Louvre

Un chef-d'œuvre du Louvre par Robert Badinter

L'écrivain et avocat Robert Badinter, ancien ministre de la Justice, qui a été invité du Louvre en 2005. Il donne des aperçus sur Le Chancelier Séguier de Charles Le Brun (1660-1661).

"Pouvoir et gloire" : cette maxime vient à l'esprit face au tableau admirable de Charles Le Brun, qui représente la procession du chancelier Séguier chevauchant en majesté, entouré d'écuyers à pied (1660-1661). Dans quelles circonstances solennelles a-t-il été créé ? Selon la tradition, ce fut lors du retour de Louis XIV à Paris après son mariage avec l'infante Marie-Thérèse, célébré à Saint-Jean-de-Luz le 26 août 1660. Il n'était pas nécessaire d'inclure d'autres dignitaires pour incarner la royauté absolue. Le chancelier était le premier des grands officiers du royaume - il scellait les actes, présidait les conseils en l'absence du souverain. Inamovible de sa fonction, même si le roi pouvait retirer les Sceaux, il incarnait la permanence de la Monarchie.

Le peintre a choisi de représenter le Chancelier en habit de cérémonie au centre du tableau, chevauchant un cheval blanc. L'escorte d'écuyers n'est présente dans le tableau que pour illustrer la grandeur du chancelier, la splendeur de son équipage, et au-delà de lui, celle du Roi - son maître. Le visage du Chancelier, déjà vieilli, indéchiffrable, est moins important pour le peintre que l'œil de son cheval, le brocart d'or tissé de sa robe et le velours noir de son chapeau. Le Chancelier ainsi représenté par Le Brun témoigne symboliquement de l'omnipotence de son maître, Louis XIV. C'est le message politique exprimé par le tableau. Salutons le chef-d'œuvre du peintre célébrant la gloire du Roi-Soleil à travers la pompe du Chancelier Séguier.

Robert Badinter

Un chef-d'œuvre du Louvre par Anselm Kiefer

Cette semaine, l'artiste Anselm Kiefer, auteur d'un décor permanent au Louvre en 2007, réunit deux chefs-d'œuvre de Rembrandt de la collection du Louvre – Autoportrait au chevalet et Le philosophe en méditation.

L'Autoportrait au chevalet de Rembrandt montre l'artiste debout devant son chevalet regardant dans un miroir ou regardant directement le spectateur. D'une main, il tient une palette, partiellement masquée par la ligne du châssis parallèle à la toile. De l'autre main, il tient un pinceau, qui se trouve exactement sur la ligne diagonale menant du coin inférieur droit au coin supérieur gauche. Nous discuterons des diagonales traversant la toile—qui sont toujours importantes dans les peintures des maîtres—plus tard, lorsque nous regarderons le deuxième tableau de Rembrandt. Pour le moment, je noterai simplement : la tête de l'artiste est exactement au-dessus de l'intersection des deux diagonales. (Si vous imaginez que l'image se termine au châssis sur le côté droit.)

Ce qui est spécial dans tous les autoportraits de Rembrandt, ce sont les yeux. Ils m'ont particulièrement fasciné depuis que je peux voir. Encore et encore, lors de visites dans les musées (même en tant qu'écolier, regardant l'autoportrait à Karlsruhe, que je voulais copier sur place), je me laisse attirer dans ces yeux. Ils sont comme un tourbillon doux, une ouverture qui se ferme, un conflit entre un mystère qui révèle et scelle en même temps.

Ajoutons maintenant le deuxième tableau, plus petit, Le philosophe en méditation. J'ai toujours vu ces deux tableaux ensemble, les regardant l'un après l'autre lors de visites au Louvre. La connexion n'était pas due à des motifs de contenu. La rencontre des deux tableaux s'est produite davantage sur un niveau formel superficiel : le rond du globe oculaire droit de l'autoportrait correspond au rond dans son ensemble dans le tableau du philosophe. À l'intersection des deux diagonales qui se croisent se trouve le visage du philosophe, autour de la luminosité duquel une obscurité ombrage les bords. Ce rond apparaît alors comme le globe oculaire agrandi de l'autoportrait. Cependant, ici, l'obscurité du globe oculaire devient le centre lumineux dans l'image du philosophe. Tout comme la luminosité fait partie inversement de l'obscurité.

En pénétrant, pour ainsi dire, la cornée du regard de l'artiste, je vois une architecture mystique étrange derrière l'œil qui s'ouvre et se ferme simultanément. La tête du philosophe est à l'intersection des deux diagonales. Le philosophe est assis là calmement, tandis qu'autour de lui se trouve un mouvement étonnant. Un escalier en colimaçon dominant l'image pointe vers le haut, tandis qu'une porte placée à droite du philosophe pointe vers une pièce en bas. Ainsi, le philosophe médite sur le haut et le bas, le ciel et la terre, peut-être en marchant à travers les Sept Palais Célestes du mysticisme Merkaba. (Rembrandt était familier avec le mysticisme juif). Et en considérant le feu au bord inférieur droit de l'image, il n'est pas loin d'Athanor, le four alchimique.

Je ne sais pas jusqu'où vous m'avez suivi en pénétrant la cornée de l'œil de l'autoportrait de l'artiste, mais une image ne consiste pas seulement en ses matériaux ou références intellectuelles ; elle ne naît en nous qu'à travers ce que nous voyons, ce que l'artiste lui-même n'a peut-être pas encore considéré. De cette façon, elle reste vivante, évoluant.

Un chef-d'œuvre du Louvre par Robert Wilson

L'artiste Robert Wilson, invité du Louvre en 2013, a réalisé des dessins abordant une sculpture cycladique.

Le visage derrière

C'est toujours l'espace derrière qui donne à l'espace devant sa puissance. C'est l'espace derrière qui donne à l'espace devant son mystère. Le mystère est dans sa surface. Chaque opposé a besoin de son opposé. Le marbre est dur, mais la surface est douce. L'acier et le velours.

La ligne simple est toujours la plus difficile à dessiner, car il y a plus d'espace autour d'elle. Souvent, une culture ancienne dessine ou réalise des œuvres très simples. Cette statue datant de 2700-2300 avant J.-C. date d'une époque précédant la richesse de la Grèce et la décadence de ses arts.

La figure féminine cycladique a très peu de lignes. Ce sont des lignes nettes avec quelques détails stylisés, seuls le nez et la poitrine sont sculptés. La tête est inclinée en arrière et regarde vers l'arrière. On sent que le regard des yeux est dirigé vers l'arrière de la tête.

Pour moi, ce personnage est un gardien des morts, de nos ancêtres. Sa culture n'existe plus, et nous ne pouvons pas expliquer la figurine. Notre imagination est laissée libre, et elle continue à nous fasciner.

Un chef-d'œuvre du Louvre par Martin Szekely

L'artiste et designer Martin Szekely, qui a conçu le nouveau projet de mobilier du musée en 2021, commente les Esclaves de Michel-Ange.

LES ESCLAVES DE MICHEL-ANGE OU LA PARTITION DU MONDE

Voici une conversation entre un ancien directeur et PDG du Louvre et un jeune conservateur. Il semble qu'aucun d'eux n'ait pratiqué la sculpture. Et pourtant, ils semblent tout savoir sur les "esclaves" sculptés dans des blocs de marbre monumentaux il y a cinq cents ans par Michel-Ange. Les coups de ciseau intentionnellement laissés visibles sont des traces de la technique ; on peut en déduire la largeur du ciseau et la force appliquée par le bras du sculpteur étendu avec le marteau. Au XVIe siècle, bien avant la mécanisation bruyante, l'homme et l'outil ne faisaient qu'un dans le même effort. L'homme de lettres, privé de l'expérience de la fabrication, utilise le vocabulaire de la matière pour expliquer son but - à l'aide d'une métaphore. Pour l'homme de la fabrication, une œuvre incomplète n'est pas un échec, c'est une œuvre en cours, une œuvre qui n'a pas encore atteint sa fin, une œuvre qui est encore vivante.

Un chef-d'œuvre du Louvre par Candida Höfer

L'artiste Candida Höfer, invité du Louvre en 2015, commente une œuvre des collections.

Je me souviens très bien de la première fois que j'ai vu ce tableau. J'étais enfant, peut-être 8 ou 9 ans, et je visitais le Louvre avec mes parents. J'étais debout devant ce tableau et j'avais peur. J'avais peur parce que l'homme du tableau semblait me regarder directement, et je pensais qu'il cachait quelque chose derrière son dos, une arme. En même temps, il semblait bienveillant, presque un peu humoristique de ma peur.

Candida Höfer

Un chef-d'œuvre du Louvre par Xavier Veilhan

L'artiste Xavier Veilhan, invité du Louvre en 2021, commente un panier égyptien.

Ces paniers fragiles ont près de 3500 ans. Pourtant, le rotin de bruyère dont ils sont faits est en parfait état, préservé dans le sable sec. Cette ligne de matériau flexible devient un objet tridimensionnel. Il peut alors contenir d'autres, les rassembler et les ordonner. C'est un objet utilitaire qui est encore fabriqué et utilisé aujourd'hui. Sa fabrication manuelle implique la répétition du même nœud, comme un précurseur de l'ère industrielle et numérique. Je suis ému par la modestie, la quotidienneté et la familiarité de cet objet, dont la présence me permet d'imaginer ce qui se passe hors écran.

Xavier Veilhan

Un chef-d'œuvre du Louvre par Chéri Samba

L'artiste Chéri Samba, invité du Louvre en 2015, commente l'Hiver d'Arcimboldo.

Il y a différents artistes que j'aime beaucoup, dont le travail j'admire et que je considère comme vraiment remarquables, surtout pour leur grande capacité d'imagination et d'inspiration. Parce que, pour produire et présenter quelque chose, il faut d'abord imaginer ou être inspiré. J'admire aussi leur volonté de produire leurs pensées avec des finitions extraordinaires. Parmi ces artistes se trouve le grand Giuseppe Arcimboldo.

J'ai découvert pour la première fois l'œuvre de l'artiste Giuseppe Arcimboldo dans un livre, à Bruxelles. Je ne pouvais pas le croire. J'ai feuilleté le livre plusieurs fois et je ne pouvais toujours pas le croire. Comme c'était beau de voir ce que j'ai vu ! C'était vraiment impressionnant... et j'ai décidé de faire un Arcimboldo moi-même, comme je l'avais fait dans le passé pour un autre grand artiste, dont je refuse de mentionner le nom.

Peu importe combien de temps cela me prendrait, je voulais montrer ma capacité à reproduire une œuvre si forte. Mon père me disait souvent que je devais rêver grand et marcher avec les grands pour progresser et ne pas finir comme un vieil enfant. Alors, j'ai suivi son exemple et je me suis mis au défi de peindre aussi bien que lui. Et ainsi je me suis permis de reproduire - comme je l'avais aussi fait pour l'artiste dont j'ai omis le nom - l'un des tableaux d'Arcimboldo : l'Hiver, de la série des quatre saisons, que j'ai intitulé Stupor.

Pour moi, Arcimboldo reste l'un des grands penseurs de la peinture, l'un des exemples à suivre - tout en conservant toute notre diversité, bien sûr. Je remercie le Louvre et tous ceux qui m'ont encouragé à parler de mon admiration pour Arcimboldo.

Chéri Samba

Un chef-d'œuvre du Louvre par Isabelle Cornaro

L'artiste Isabelle Cornaro, invitée du Louvre en 2015, commente une figurine parthe-babylonienne.

J'ai vu pour la première fois cette figurine impressionnante en 1993, lorsque j'étudiais au Louvre, et j'ai pensé à elle assez longtemps pour développer une relation intime avec elle. J'avais appris qu'elle était venue au musée en cadeau de Pacifique-Henri Delaporte, un collectionneur et consul qui a servi successivement à Tunis, au Caire et à Bagdad, au plus fort du second empire colonial français.

Frontale, subtile, hautement auratique, la figure présente une relation complexe entre la ligne simplifiée de la silhouette et le blanc savonneux diffus de l'albâtre - l'esprit glisse infiniment du contour au matériau, au contour à nouveau ; et si l'on devait isoler les bijoux placés dans le nombril, le cou et les cheveux, ils formeraient un paysage abstrait qui traverse le corps dans une géométrie remarquable. Ils semblent lui donner une stature non humaine, mi-déité, mi-animale.

Elle accompagne, dans la tombe où elle a été découverte, la déesse parthe-babylonienne de l'amour et de la guerre, Nanaya - de qui il est écrit que "la justice marche constamment" à ses côtés. J'aime les noms des pays auxquels elle est liée : Akkad, Sumer, Babylone, et leurs anciennes cités, Ur, Uruk, Suse, Ninive, situées à la frontière de l'Irak et de l'Iran.

Isabelle Cornaro

Un chef-d'œuvre du Louvre par Mark Manders

L'artiste Mark Manders, invité du Louvre en 2015, commente la Vierge à l'Enfant avec sainte Anne de Léonard de Vinci.

Vierge à l'Enfant avec sainte Anne, Léonard de Vinci, 1501-1519

Quand j'avais environ 20 ans et que je faisais mes premières œuvres en tant qu'artiste, j'ai rassemblé mon argent pour pouvoir voyager à Paris et passer 4 jours au Louvre. L'étude intensive des œuvres de la collection est devenue une base très importante pour mon travail d'artiste mais aussi pour mon développement en tant que personne. Pour moi, 'Vierge à l'Enfant avec sainte Anne' a eu un tel impact :

La composition à couper le souffle de Léonard de Vinci est une magnifique communication d'amour de haut en bas. Chaque fois que je vois ce tableau, je me surprends à penser que la femme à l'arrière et la femme à l'avant sont en fait une seule et même personne et qu'ensemble elles affichent un mouvement plein d'amour. Le fait que cette œuvre soit décrite comme inachevée a changé la direction de mon propre travail. À partir de ce moment, je n'ai fait que des pièces inachevées…

Mark Manders

Un chef-d'œuvre du Louvre par Monique Frydman

L'artiste Monique Frydman, invitée du Louvre en 2013, commente La Vierge à l'Enfant entourée de six anges de Sassetta.

"La Vierge à l'Enfant entourée de six anges" de Sassetta. Panneau du Polyptyque de Borgo San Sepolcro.

C'est dans l'atelier de restauration du Louvre que je l'ai découverte pour la première fois. Je la vois - la Vierge, cette femme inaccessible - si proche, encore vivante avec celui qui l'a peinte pour nous hier, Sassetta. Et ce bleu, que la restauratrice a caressé avec une délicatesse infinie du bout de son pinceau fin pour raviver son éclat - le bleu divin du manteau.

Elle est là, douce, confiante dans sa robe bleue, nous enveloppant dans sa majesté radieuse - une femme très jeune et modeste étonnée dans son aura dorée. Il est l'Enfant, plein de tendresse pour elle. Ce sont les six anges musiciens qui sourient et nous emportent dans leur musique divine. Comme dans une coquille dorée, le bonheur résonne. Cette œuvre, cependant, a eu un sort tragique : le Polyptyque a été démantelé, ses panneaux dispersés et certains ont même été détruits. Petit à petit, seulement très récemment, des tentatives de reconstitution du Polyptyque ont été tentées ici et là.

C'est ma folie de vouloir le refaire et le re-membrer moi-même. Pour moi, un peintre contemporain d'oser affronter le chef-d'œuvre dont l'absence l'a transformé en rêve ! Mon "Polyptyque Sassetta" a été exposé dans le Salon Carré du Louvre, face aux maîtres florentins des XIIIe, XIVe et XVe siècles.

Monique Frydman