'Ce tableau ne perd pas en complexité plus on le regarde – il s'enrichit.'
5 février 2025
'Ce tableau ne perd pas en complexité plus on le regarde – il s'enrichit.'
5 février 2025
Le Portrait du roi Charles Ier d'Angleterre, par Anthony van Dyck, retrouve les cimaises après plus d'un an de traitement de conservation. Blaise Ducos, conservateur des peintures flamandes et hollandaises, évoque ce chef-d'œuvre.
Quelle place ce tableau occupe-t-il dans l'œuvre d'Anthony van Dyck ?
C'est le portrait le plus célèbre de Van Dyck, et sans doute le portrait de roi d'Angleterre le plus connu. Pourtant, paradoxalement, il subsiste une part de mystère autour de cette œuvre : nous savons qu'elle est entrée dans les collections royales françaises en 1775, sous le règne de Louis XVI, mais nous ignorons comment et quand elle est arrivée en France. Par déduction, nous avons pu la faire remonter à la cour en exil du roi Jacques II d'Angleterre, vers 1700. Mais au-delà, nous ne pouvons que spéculer sur la période entre la création du portrait à la fin des années 1630 et le début du XVIIIe siècle. Il est fascinant qu'un tableau d'une telle envergure (271 x 211 cm) ait pu disparaître et trouver le chemin de la France sans que personne ne le remarque.
Vous mentionnez dans le catalogue raisonné que c'est sans doute le plus beau portrait de Van Dyck du musée. Qu'est-ce qui rend cette œuvre si exceptionnelle pour vous ?
C'est la question à un million d'euros ! Globalement, l'œuvre est d'une richesse incroyable, ce qui est d'autant plus étonnant que l'artiste n'a fait qu'un seul dessin préparatoire. Van Dyck a peint le visage du roi d'un seul trait, et pourtant, il y a une maîtrise et une légèreté exceptionnelles dans le rendu. Mais ce qui est sans doute le plus remarquable, c'est qu'une sorte d'indécision savante entoure le sujet.
Que voulez-vous dire par là ?
Le tableau est censé représenter le roi à la chasse, mais il n'y a pas de chiens, pas de fusils, pas de gibier, et personne ne chasse. C'est surprenant – sauf si l'on considère la chasse dans son ensemble. Charles Ier était connu pour être un chasseur passionné, et ses promenades pouvaient durer indéfiniment. Un tel effort exigeait des pauses, et c'est précisément ce moment de repos que l'artiste a si magnifiquement saisi.
Comment peut-on le savoir ?
Ce ne sont pas les hommes du tableau qui le transmettent le plus éloquemment – c'est le cheval. On a souvent dit que le cheval baissait la tête devant son roi, mais cette interprétation est fantaisiste. En réalité, l'animal vient juste de finir un galop sauvage avec son cavalier. Il est à bout de souffle, et ce que nous voyons n'est pas un signe de soumission ; le cheval essuie simplement l'écume de sa bouche sur sa jambe. La scène illustre la profonde familiarité de Van Dyck avec la chasse et les animaux. Elle transforme le tableau en quelque chose de bien plus qu'un portrait : c'est une fenêtre sur une histoire plus large. En fait, l'œuvre est animée par des forces puissantes qui tirent le spectateur vers l'extérieur. Ces forces, créées par les regards, les perspectives et les vues, reflètent l'importance que l'artiste a donnée à ce qui est 'hors cadre'.
De quelle manière ?
Le roi ne serait pas accompagné uniquement d'un palefrenier, d'un page et d'un cheval – cela aurait été impossible. On peut en déduire qu'une compagnie plus nombreuse est positionnée juste au-delà des bords du tableau. C'est précisément le génie de Van Dyck : sa capacité à évoquer une foule animée et bruyante d'attendants royaux, même si le tableau est posé, majestueux et serein. Van Dyck dépeint implicitement tout le royaume royal, au-delà du roi lui-même. Après tout, que fait un roi à la chasse ? Il parcourt ses terres. C'est pourquoi un bateau est visible sur la mer dans le fond gauche, en hommage à la puissance navale de la Grande-Bretagne. Ce tableau a absolument tout, même des références qui ne sont pas britanniques.
Quels sont quelques exemples ?
Deux éléments semblent clairement faire référence aux peintures italiennes. Premièrement, le coude saillant du roi – une pose dramatique qui fait écho de manière non équivoque au Portrait de Gerolamo (?) Barbarigo de Titien. Deuxièmement, la position du cheval fait allusion à une autre œuvre du même artiste : l'Adoration des Mages. Ce n'est pas un hasard, vraiment, qu'on dise souvent que Charles Ier a fait appel au Titien de son temps en commandant Van Dyck.
D'où viennent ces références italiennes ?
Van Dyck était un peintre itinérant, et il s'est formé dans plusieurs cours italiennes avant d'entrer au service des Habsbourg à Bruxelles. Il était un artiste avec une formation européenne continentale, entrant en contact avec la tradition de la peinture anglaise – une tradition dans laquelle il a également joué un rôle clé.
Cela reflète-t-il également le désir de Van Dyck de mesurer son talent aux autres ?
Il est important de se rappeler que Van Dyck était un peintre de cour. La nature d'une cour, cependant, est essentiellement de parler à elle-même et aux autres cours. À cet égard, ce portrait était engagé dans une sorte de dialogue 'combatif' avec d'autres grands portraits royaux, une poursuite qui, malheureusement, a consumé Van Dyck.
Comment cela ?
D'une certaine manière, Van Dyck était une victime de son propre talent. Il était un enfant prodige, capable de tout faire – un peu comme Picasso, qui avait l'habileté d'un grand maître à l'âge de 15 ans. Peindre des portraits exquis est devenu une malédiction : chaque cour d'Europe en voulait un. Van Dyck a été emporté par la frénésie et est devenu complètement submergé par ses commandes.
Selon votre analyse, son attention méticuleuse aux corps fait partie de son talent. Est-ce visible dans ce portrait de Charles Ier ?
Ce tableau suit clairement un canon. Des proportions humaines strictes sont utilisées : la tête du roi représente un huitième de la taille de son corps, et des rapports exacts sous-tendent et accentuent toutes les autres parties du corps. Ce respect des proportions mathématiques a beaucoup à voir avec la qualité réaliste et élégante qui émane des figures peintes par Van Dyck. Tout semble fluide, presque léger et désinvolte, mais en réalité, tout est savamment calculé. Ce tableau empile couche après couche de signification et de profondeur. Il ne perd pas en complexité plus on le regarde – au contraire, il s'enrichit. C'est la marque d'un chef-d'œuvre.
Pourquoi le tableau a-t-il récemment subi un traitement de conservation ?
Lorsque nous avons décidé de mener des travaux de conservation il y a deux ans, ce n'était pas parce que l'œuvre était en danger réel. Visuellement, cependant, elle avait atteint un degré d'inadéquation qui exigeait une action. En particulier, le vernis s'était oxydé, laissant le tableau jauni et assombri.
Le traitement de conservation était-il un grand projet ?
Le projet a rassemblé quatre restaurateurs au cours d'une année : deux restaurateurs de 'support' (Luc Hurter et Jean-Pascal Viala), et deux restaurateurs responsables de la couche picturale (Cécile Des Cloizeaux et Frédéric Pellas). Ils ont toute ma gratitude et mes louanges les plus sincères. La durée des travaux de conservation peut sembler suggérer qu'ils ont rencontré des complications, mais le temps nécessaire était principalement dû à la taille de l'œuvre. Outre le grand format, l'équipe de traitement de conservation n'a rencontré aucun défi technique nécessitant des méthodes innovantes.
Que pensez-vous du résultat final ?
Je suis ravi – même ému – par le résultat. Tout est rajeuni, tout a repris vie. Nous redécouvrons Van Dyck à son meilleur. Certains éléments qui n'étaient plus visibles ont refait surface, comme le visage du roi ou le ciel gris-bleu. Le grand talent de l'artiste est à nouveau pleinement visible, y compris son habileté en tant que peintre d'animaux et de paysages. En fait, nous pouvons voir les germes de toute la peinture de paysage anglaise du XVIIIe siècle dans cette œuvre.
Ce portrait du roi Charles Ier n'est pas le seul Van Dyck à retourner au Louvre, est-ce exact ?
Les bonnes choses vont par deux. Une autre œuvre de la période anglaise de l'artiste sera bientôt dévoilée au public : le Portrait d'Anne Carr, Lady Russell, comtesse de Bedford. Ce sera vraiment une résurrection car cette œuvre n'a jamais été exposée de mémoire d'homme. Nous l'avons redécouverte en réserve, lors de la publication du catalogue raisonné de Van Dyck. À l'époque, on pensait que c'était une copie ou une œuvre d'atelier. Dès que nous avons vu le portrait, nous avons senti qu'il devrait subir un traitement de conservation, pressentant que son attribution pourrait changer. Le pari a payé : l'œuvre est un petit chef-d'œuvre, peint peu de temps après le portrait de Charles Ier. Si tout se passe comme prévu, ce nouveau tableau sera exposé fin février. Je serai ravi d'en discuter plus en détail alors.
Cliquez sur le lien ci-dessous pour découvrir le catalogue raisonné des tableaux d'Antoon Van Dyck au musée du Louvre :
Antoon Van Dyck, catalogue raisonné des tableaux du musée du Louvre
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